Onibaba - Le assassine

Titolo originale: Onibaba (鬼婆)
Nazione: JAP
Anno: 1964
Genere: Drammatico, Horror
Durata: 100'
Regia: Kaneto Shindō
Cast: Jitsuko Yoshimura, Nobuko Otowa, Kei Satô, Jukichi Uno

Trama:
Nel Giappone medioevale, due donne – suocera e nuora – sopravvivono alla guerra uccidendo soldati feriti e depredandone i cadaveri. Quando però la più giovane intreccia una relazione con il disertore Hachi, la donna più anziana inizia a nutrire una forte gelosia e...

Commenti e recensione:
Sebbene ingiustamente dimenticato, questo film, visivamente poetico, affascinante ed inquietante, è il capolavoro di Kaneto Shindō ed offre uno sguardo assolutamente inedito sulle bassezze di cui l'uomo è capace. Fortemente influenzato dal teatro nō e kabuki, Onibaba è un’opera che, dal punto di vista tematico, è allo stesso tempo classica nell’argomento e rivoluzionaria per il realismo con cui riesce ad inquadrare – anche, ma non solo, tramite le implicazioni erotiche del racconto – l’evoluzione della figura femminile nella società giapponese.
In anni in cui il cinema a colori era già uno standard, Shindō scelse di girare in uno spettacolare bianco e nero e, come sfondo della vicenda, optò per la campagna giapponese del XIV secolo. A quel tempo infuriavano le battaglie tra clan rivali e gli uomini, precettati per combattere, venivano costretti ad abbandonare il lavoro dei campi, la casa e la famiglia; la conseguenza era una situazione di estrema povertà nella quale le persone dovevano fare letteralmente di tutto per sopravvivere, incluso rubare e, all’occorrenza, uccidere. La fede abbandonava il cuore degli uomini, così come l’amore, rimpiazzati da bisogni primari e sentimenti primitivi, come la fame, la paura ed il sesso. Non è difficile capire che Shindō dica "Medioevo" ma stia parlando del terribile dopoguerra che aveva vissuto.
Il protagonista principale è il paesaggio campestre, esaltato dal bianco e nero, e serve ad un duplice scopo: costituire una metafora delle più torbide passioni umane, così sanguigne e primitive, e riportare alla Natura, cui appartiene, l’elemento di mistero e paura ancestrale della maschera-fantasma. È per questo che tutta l’azione si svolge nei campi di susuki, la pampa giapponese, ed il suo claustrofobico dedalo di canne altissime. A questo ambiente essenziale e spirituale, ma anche inospitale, il regista dedica molta attenzione. Visivamente i momenti più belli sono proprio quelli in cui le inquadrature indugiano sulle canne scosse dal vento e sull’ampio cielo, ora placido ora gravido di pioggia, oltre che sui corpi seminudi e sudati delle due donne. Non vi sono dialoghi superflui ed inutili: un primo piano degli occhi dei personaggi, il movimento delle pupille, basta questo per comprendere i pensieri dei personaggi e le loro emozioni. A queste scene, praticamente immobili, si contrappongono, violentemente, le inquadrature più rare delle scene movimentate e questo contrasto ne amplifica l’effetto e l’importanza. In queste, infatti, la dinamicità dei movimenti degli attori e della camera manifestano intensamente gli stati d’animo dei personaggi. La musica, che comincia con un ritmo ossessivo e tribale ed incalza con fiati stridenti, contribuisce all’atmosfera di malcelata tensione emotiva. Le atmosfere del film, ed alcune sequenze realmente angoscianti, fanno sì che alcuni critici considerino quest’opera un horror a tutti gli effetti, mentre altri parlano di dramma, dramma ad ambientazione storica oppure di ibrido horror-erotico; in realtà si tratta di una tragedia greca.
I due personaggi femminili sono entrambi straordinari e, di certo, non incarnano lo stereotipo della donna devota, quell’"angelo del focolare" che tanta cinematografia e letteratura dell’epoca descriveva, tipico di una società nata dalle ceneri di un feudalesimo non del tutto scomparso nella forma e nella sostanza. Non solo la nuora, che si concede ad un amore clandestino contro il parere della suocera (in teoria, scomparso il marito, nuovo capofamiglia) ma anche la suocera, che non accetta di essere messa da parte, con il suo comportamento spregevole ma profondamente umano rappresenta un elemento di rottura col passato. Per capire quanto, si pensi che, più o meno nello stesso periodo, i cinema proiettavano La Leggenda di Narayama di Keisuke Kinoshita, incentrato su un’anziana che, in conformità a logiche sociali, per non far cadere in disgrazia la propria famiglia si reca a morire, serena, per adempiere ai suoi doveri di madre. Shindō rigetta questa figura da libro "Cuore" e racconta di un'umanità abbrutita, al limite dell'animalesco, dove la donna è un essere fisico, carnale e non del tutto "addomesticabile".
Onibaba è molto più di un film di culto, è un Capolavoro assoluto che, in occasione del recente restauro della pellicola, vi invito a scoprire ed ammirare! :D

La sposa in nero

Titolo originale: La mariée était en noir
Nazione: FRA
Anno: 1968
Genere: Drammatico, Noir, Thriller
Durata: 107'
Regia: François Truffaut
Cast: Jeanne Moreau, Michael Lonsdale, Jean-Claude Brialy, Michel Bouquet, Alexandra Stewart

Trama:
Per una stupida bravata, cinque ricchi scapestrati provocano involontariamente la morte di un poveraccio che stava uscendo dalla chiesa dove si era celebrato il suo matrimonio. La sposa decide di vendicare il marito e...

Commenti e recensione:
Caviamoci subito il dente: la Moerau, in questo film, non è brava. È immensa! Certo, anche gli altri attori recitano benissimo ma lei domina, incontrastata, fin dai primissimi istanti. Pur non essendo certamente al meglio della sua bellezza, ormai un po' sfiorita, è così carica di magnetismo da rendere impossibile non seguirla costantemente.
Fatta questa debita premessa, parliamo ora del vero gigante del film: Truffaut. Sì, perché se pure avesse preso attori di qualità minore (anche se ringrazio che non l'abbia fatto) La sposa in nero sarebbe stato comunque un capolavoro assoluto. Sebbene avesse già girato Tirate sul pianista!, non si pensa spesso a lui quando si parla di noir o thriller (il primo nome che viene in mente, magari, è Hitchcock) e in effetti non si è quasi mai più cimentato nel genere ma, qui, ha dimostrato di essere molto più del regista di commedie o anche solo Maestro della Nouvelle Vague che ben conosciamo. La magia de La Sposa in nero sta nella rarissima capacità di coinvolgere completamente lo spettatore, nonostante le carte del gioco siano scoperte già in partenza. Nell’adattare per il grande schermo il libro di Cornell Woolrich, Truffaut apporta ai meccanismi del testo d’origine una sola, ma molto significativa, modifica: lì dove il romanziere occultava, tenendo nascoste fino all’ultimo capitolo identità e motivazioni della protagonista, Truffaut rivela, mettendoci progressivamente al corrente del perché la magnetica Julie sia spinta dal desiderio di vendetta nei confronti delle sue cinque vittime. Un rischio, certo, ma che si trasforma ben presto in fragoroso punto di forza. In pratica, Truffaut riscrive letteralmente le regole di un genere all’interno del quale lo spettatore diventa elemento essenziale, coinvolto in prima persona nella narrazione attraverso il crescente sentimento di patteggiamento nei confronti dell’innamorata vendicatrice. Nonostante dei vari Bliss, Coral, Morane, Holmes e Fergus si conosca poco o nulla (e quel poco è appena accennato) risulta impossibile provare per loro la benché minima pietà. Noi siamo Julie, camaleontica macchina di morte al servizio del suo personale sentimento di vendetta e, come lei, desideriamo una sola cosa: vedere le loro vite spegnersi, nell’illusione che altrettanto faccia il nostro dolore. Benché non l'abbia mai ammesso pubblicamente, Tarantino deve davvero tanto a questo film!
Truffaut omaggia sicuramente Hitchock, di cui si è sempre dichiarato grande ammiratore, e dimostra di averne compresa tutta l'arte (gli "ruba" persino Bernard Herrmann per la colonna sonora!) ma aggiunge all'opera anche la sua raffinata cerebralità, rendendo La Sposa una di quelle rare pellicole apparentemente semplici ma in cui, ad ogni visione, scopririamo messaggi nuovi, profondi ed appassionanti.
Paradossalmente, come tantissimi artisti Truffaut è stato osannato dal pubblico per un'opera che lui stesso non amava particolarmente; non importa, La sposa in nero è piaciuta e piace, ancora oggi e dopo tutti questi anni, a tutti noi! :D

8 marzo 2019

AUGURI A TUTTE LE LETTRICI DEL BLOG!!!

Grazie di esserci.

Io e Annie

Titolo originale: Annie Hall
Nazione: USA
Anno: 1997
Genere: Commedia
Durata: 94'
Regia: Woody Allen
Cast: Woody Allen, Diane Keaton, Tony Roberts, Carol Kane, Paul Simon, Christopher Walken, Shelley Duvall

Trama:
Alvy, attore comico di origini ebree, incontra casualmente Annie, una ragazza carina, un po' svitata, di famiglia benestante del Middle West. Alvy, già scottato da due matrimoni falliti, inizia il nuovo rapporto con paura ma anche Annie, istintivamente, dubita del successo del loro rapporto e mantiene un ampio margine d'evasione. Ciò nonostante, la relazione segue il più tipico dei corsi e...

Commenti e recensione:
Dopo più di quarant'anni si continua a parlare di Io e Annie (la American Film Institute l'ha persino inserita tra i cento migliori film statunitensi), eppure è "solo" una commedia. Il suo successo fu solo frutto di una serie di fortunate coincidenze cinematografiche o c'è di più? Dopo averlo rivisto (per l'ennesima volta), non ho dubbi: c'è! Io e Annie non è la solita storia d’amore "luiamalei tra mille difficoltà" da emulatori di Márquez, è un film sul Vero Amore.
Io e Annie, invece che del colera, è la storia dell’amore ai tempi della psicanalisi, il resoconto frammentario di una relazione che crolla su se stessa a causa non di tradimenti o di grandi drammi, bensì delle nevrosi che ciascuno riversa sull’altro e che entrambi confessano solo al proprio strizzacervelli. Il film stesso ha la struttura di una seduta di psicanalisi, in cui il paziente, ovvero Alvy (ma anche noi, riconoscendoci in lui), parla col pubblico in prima persona, passando liberamente da un argomento all’altro in un unico flusso di coscienza. Anzi, più che di flusso bisognerebbe parlare di un grande puzzle perché Io e Annie è un film frammentario su tutti i livelli, dalla successione delle scene alla loro stessa costruzione interna. Un puzzle che forse fece impazzire il povero Ralph Rosenblum al montaggio ma realizzato con tale maestria che valse al nostro depresso con gli occhiali un meritatissimo Oscar alla regia.
L’opposizione dei due protagonisti può essere messa in parallelo con quella fra le due città che rappresentano gli opposti nel panorama americano: New York e Los Angeles. New York è il mondo di Alvy e di Woody Allen in generale (sarebbe addirittura superfluo ricordare Manhattan): è una città, negli occhi del regista, la cui vita culturale si sostiene sulla decadenza, che si crogiola nel proprio perenne crepuscolo, proprio come lui è perennemente bloccato in una sorta di ossessione per la morte... al punto da non riuscire a godersi la vita. Los Angeles rappresenta invece la novità e l’evoluzione ma, al contempo, è anche il regno della vanità e della superficialità, un microcosmo ridicolizzato continuamente da Allen ma da cui Annie, donna vitale e che ha appena iniziato la propria crescita personale ed intellettuale, rimane inevitabilmente attratta.
Woody Allen mescola meravigliosamente una sceneggiatura perfetta, un cast assolutamente incredibile (la Keaton è così brava da surclassare persino lui!), tecniche cinematografiche geniali ed innovative e, come risultato, ci dona La Commedia per eccellenza. In un mare di commedie trite e ritrite che non riescono a raggiungerne la bellezza ed il successo, Io e Annie è, ancora oggi, tra le più belle di tutti i tempi! :D

Il treno per Darjeeling

Titolo originale: The Darjeeling Limited
Nazione: USA
Anno: 2007
Genere: Commedia, Drammatico
Durata: 91'
Regia: Wes Anderson
Cast: Owen Wilson, Adrien Brody, Jason Schwartzman, Anjelica Huston, Amara Karan

Trama:
Tre fratelli, che non si sono parlati per un anno, organizzano un viaggio in treno attraverso l’India alla ricerca di se stessi, per rinsaldare il legame tra loro e per incontrare la madre, ritirata in convento. Una serie di disavventure trasforma il loro viaggio in qualcosa di diverso e...

Commenti e recensione:
Com'è difficile scrivere la recensione per questo film! Potrei parlare della trama, o della bellezza delle immagini, o della splendida colonna sonora o, ancora, della bravura degli attori ma, in realtà avrei solo descritto ciò che si vede e si ode e questo film, Il treno per Darjeeling, è molto di più della somma di questi "dettaglini". Potrei dilungarmi su tecnicismi e riferimenti cultural/artistici anni '70, sottolineare che è la giusta chiusura alla "trilogia della famiglia", approfondire il ruolo di Rober Yeoman e della sua macchina fotografica, scrivere del "gusto per la divagazione (e, a tratti, questo film È divagazione) e tanto altro. In realtà potrei anche non scrivere nulla e lasciare a voi il compito di giudicare... ma questo sarebbe davvero barare. ^__^
Cominciamo allora dai colori, che sono il primo ed immediato aspetto di questa pellicola: vivi e bollywoodiani come non mai, sono il filo conduttore cinematografico del film. Spesso si rimane quasi accecati dalla bellezza dei luoghi, dai contrasti cromatici (o addirittura cromatico/emotivi, come ad esempio all’interno del villaggio indiano, il cui colore delle case si oppone fortemente alla drammaticità della scena che si sta vivendo) e dall'incredibile ricercatezza dei dettagli. Le splendide inquadrature, come sempre spesso simmetriche, ci permettono di constatare in ogni minimo particolare ciò che sta avvenendo sullo schermo. Ogni singolo fermo immagine è così carico di senso e significato che è difficile trovarne anche solo uno che, preso in esame, non sia un vero e proprio quadro, dotato di un proprio valore semiotico e comunicativo. Si può dire tanto su Anderson ma, ammettiamolo, è un vero maestro della fotografia!
Nella sua continua ricerca tecnica, qui Anderson ha anche reinventato, usandolo sapientemente, il vecchissimo rallenty. Non serve ad ornare semplicemente il film e non è un modo per farci notare con maggior attenzione una scena; non è, insomma, utilizzato per mera scelta stilistica. É invece un modo sapiente per porci davanti al momento, per farci riflettere, pensare, ragionare. Quasi come se il regista volesse mettere il film in pausa e dirci “Ehi, osserva bene e pensa. Il film ora non è importante, i tuoi pensieri lo sono”. Impeccabile.
Gli attori, infine: Owen Wilson, Adrien Brody e Jason Schwartzman sono tutti ai massimi livelli, perfettamente a loro agio nei loro grotteschi e quasi caricaturali personaggi. È un vero piacere osservarli e lo è altrettanto poterli apprezzare in ruoli così differenti da quelli della maggior parte dei film in cui hanno recitato.
E la trama? Beh, quella, pur bellissima, quasi non è importante. L’interpretazione del viaggio è veramente personale e, come tale, spiegarvi come l'ho vissuta io non solo non sarebbe oggettivo ma vi porterebbe fuori strada; dovete assaggiare da soli la vera essenza di questo capolavoro.
Guardatelo e godetevelo! :D

Atragon

Titolo originale: Kaitei gunkan (La corazzata sottomarina 海底軍艦)
Nazione: JAP
Anno: 1963
Genere: Fantascienza
Durata: 88'
Regia: Ishirō Honda
Cast: Jun Tazaki, Tadao Takashima, Yoko Fujiyama, Yu Fujiki, Ken Uehara, Akihiko Hirata

Trama:
Strani eventi stanno accadendo sulla Terra, come la scomparsa di due ingegneri, e anche l'ammiraglio Kosumi sta per essere rapito. Dietro a tutto questo c'è l'Impero Mu, Scomparso dalla Terra 12.000 anni fa ma ora riapparso con l'intenzione di colonizzarla nuovamente e...

Commenti e recensione:
Dai racconti di Shunro Oshikawa, autore giapponese coevo di Verne e di cui ha subito evidenti infulenze, Ishirō Honda ha creato una storia complessissima, capace di mescolare kaiju, fantascienza e fantarcheologia. In realtà, di kaiju ega in senso stretto ce n'è davvero pochino perché il mostro appare per pochi minuti ma, oltre ad uno svitato capitano, freddo difensore dell’onore che attacca da solo l'intero popolo di Mu, c'è un elemento che ha ispirato la fantascienza nipponica successiva: il "super sottomarino"! Non solo piacque molto più di Manda, il mostro del film, ma il suo design influenzò diverse genrazioni di registi e creativi del Sol Levante (e non solo loro, a dirla tutta) e da lui discendono tutti gli astrosottomarini successici. Penso soprattutto a Leiji Matsumoto ed alle sue strepitose saghe Yamato, Capitan Harlock, Galaxy Express 999 ma anche ad Anno con Nadia o Evangelion e, ammettiamolo, a gran parte del mecha. Si può a buona ragione affermare che, con questo film, nasce una nuova tipologia, tutta nipponica, di nave indistruttibile, il cosiddetto Gotengo: un vascello ipertecnologico che si pone a difesa della Terra e dotato di terrificanti poteri distruttivi. Già solo per questo, Atragon è una pietra miliare.
C'è una certa reminiscenza storica alla base del mito di questo sottomarino: nel corso del secondo conflitto mondiale il Giappone costruì i più potenti sottomarini allora esistenti, la cui supremazia rimase intatta fino all’avvento della propulsione nucleare. Erano i sottomarini della classe “I”; lunghi più di 100 metri, dotati di larghissima autonomia, capaci di affrontare le enormi distanze delle attraversate oceaniche ed effettuare i collegamenti fra il Giappone e la Germania. Fu uno di questi giganti a silurare e ad affodare l’incrociatore USS Indianapolis, di ritorno dalla sua missione segreta di trasporto della bomba atomica destinata, in seguito, a colpire la città di Hiroshima. Altro aspetto importante è rappresentato dal fatto che quella di Atragon è una vicenda di scontri navali e, nella storia del Giappone moderno sin dalla vittoriosa battaglia di Port Arthur, la Marina è considerata la principale arma di offesa e difesa del paese. Con Atragon rinasce il mito della marina giapponese.
C'è però in questo film un messaggio più profondo, tipico di Honda, che investe direttamente (e per l'epoca, in modo molto coraggioso) i temi del nazionalismo e di un orgoglio pericolosamente etnico, che vede da sempre la razza nipponica come depositaria di una esclusiva "missione salvifica" in Asia. Per metafore, Honda ci mostra da un lato il capitano Jinguji (tra l'altro, un Tazaki bravissimo) intriso di questa ideologia ma che il pericolo di perdere la figlia fa rinsavire, e dall'altro la terribile Imperatrice, anche lei con l'unica ragion di vita nella conquista dell'onore e del dominio globale da parte del suo popolo, che non può redimersi e perde. Sembra quasi una favoletta ma Honda ci racconta che, anche disponendo di una teclonogia avanzatissima, una politica aggressiva porta, come nel caso di Mu, al totale annientamento. Detto in quegli anni, ed a quel pubblico!, si tratta di vera temerarietà.
Tazaki a parte, gli altri personaggi, pur essendo bravi e deliziandoci spesso con la loro bellezza, sembrano più che altro delle semplici comparse, schiacciate dalla prorompente figura del capitano. La critica è unanimemente d’accordo nel giudicare il personaggio di Jinguji come uno dei più suggestivi e meglio dettagliati di tutto il cinema di Honda.
Anni fa, da bambino, vidi Atragon e me ne innamorai perché è, senza dubbio, un caposaldo del sottogenere della fantatecnologia giapponese ma è con la consapevolezza di adulto che ho, finalmente, apprezzato la denuncia sociale del regista: se con la saga di Godzilla ha voluto gridare contro la follia atomica, in Atragon è il militarismo giapponese degli anni 30-40 a essere messo sotto accusa. Attraverso l’ostinato patriottismo di Jinguji viene descritto il delirante sciovinismo che portò al dramma della guerra dell’Oceano Pacifico. Honda ha osato presentare una profonda critica alla nazione, pure se in forma di film a sfondo fantastico, dove si vede tutta la voglia di riscatto di un paese che, per decenni, ha tiranneggiato l'Asia e, girandolo, ha firmato quello che è, a mio avviso attuale, il suo film più bello.
Da vedere assolutamente! :D

Le avventure di Peter Pan

Titolo originale: Peter Pan
Nazione: USA
Anno: 1953
Genere: Animazione, Fantastico, Avventura
Durata: 76'
Regia: Clyde Geronimi, Wilfred Jackson, Hamilton Luske

Trama:
Peter Pan, bambino che non vuole crescere, mentre cerca la propria ombra s'imbatte in Wendy ed i suoi fratelli. Con la magica polverina della fata Trlli li trasporta sull'Isola Che Non C'è, dove vivranno ogni genere d'avventura e...

Commenti e recensione:
“Tutti i bambini, tranne uno, crescono”. Quel bambino un po’ cresciuto era Walt Disney e, ovviamente, non poteva che essere molto legato a Peter Pan ed a tutto l’universo fantastico ideato da Barrie agli inizi del Novecento. Nel 1953, dopo molti ritardi e slittamenti (sarebbe dovuto essere il secondo lungometraggio, dopo Cenerentola, e invece uscì 14°), finalmente questo sogno nel cassetto prese vita. In maniera persino più accentuata rispetto ad Alice, l’adattamento Disney fa sbiadire il significato profondo e le allegorie del romanzo d’origine, per consegnare tutto ad una dimensione più avventurosa, più immediata, più a misura di pubblico... che infatti gradì, rendendo il film un incredibile successo commerciale.
L'ottima sceneggiatura mescola egregiamente dosi di umorismo e comicità, pizzichi di romanticismo e dramma, riuscendo a non scendere mai nel melodrammatico e facendo di Peter un allegro briccone che si diverte a fare dispetti agli adulti annoiati e melensi. D'altra parte, il temibile Capitan Uncino, che spesso viene interpretato dallo stesso attore che ha il ruolo di papà Darling, non è qui un villain vero e proprio: è piuttosto un uomo stanco e negligente che passa le sue giornate cercando il modo migliore per catturare il suo acerrimo nemico. Ognuna delle sue azioni finisce sempre per ritorcerglisi contro e suscita l'agrodolce sorriso del pubblico. Da un punto di vista tecnico non è possibile non ammirare la recitazione di Trilli (modellata sull'attrice Margaret Kerry) o la genialità espressiva di Uncino con i suoi fantastici siparietti insieme a Spugna ma è nella bellezza dei fondali, spesso animati, che si vede tutta la grandezza della Disney di allora. L'isola stessa (e tutta la scena delle sirene!) sembra uscita dallo stesso pennello che creò il Monte Olimpo in Fantasia mentre il coccodrillo lo ritroveremo, qualche anno più tardi, in Bianca e Bernie: quanto si nota la presenza di tre registi, otto sceneggiatori ed un Grande Capo come Walt a governarli!
Le avventure di Peter Pan è, per antonomasia, un inno alla magia dei sogni, elogiati come conduttore necessario per riscoprire la bellezza degli affetti e delle piccole cose quotidiane (anche se poi, per volare davvero, è necessaria un po' di "polvere di fata" che nemmeno Pollon... ^__^). È una favola dedicata a tutti gli inguaribili sognatori, ai ragazzini che vogliono restare bambini per sempre ed agli adulti che non hanno scordato il bambino che è nascosto nel loro cuore... quindi è da rivedere ed il più spesso possibile! :D

Il fantasma del pirata Barbanera

Titolo originale: Blackbeard's Ghost
Nazione: USA
Anno: 1968
Genere: Commedia, Fantastico, Sportivo
Durata: 107'
Regia: Robert Stevenson
Cast: Peter Ustinov, Dean Jones, Suzanne Pleshette, Elsa Lanchester, Joby Baker, Elliott Reid

Trama:
Il fantasma del pirata Barbanera, evocato quasi per caso da un giovane insegnante, decide di compiere una buona azione perché solo così potrà riposare in pace. Grazie a lui, un gangster senza scrupoli non riuscirà a mettere le mani su un alberghetto ipotecato, la squadra locale di atletica potrà battere quelle avversarie e...

Commenti e recensione:
Il fantasma del pirata Barbanera fu, di fatto, l'ultimo film "dal vivo" prodotto con la benedizione del vecchio Walt, che morì durante le riprese. E fu proprio sua l'idea di rimettere insieme, dopo il successo di 4 bassotti per 1 danese, la fantastica coppia Jones&Pleshette che divenne la colonna portante della Casa del Topo per quasi dieci anni.
Sarebbe però ingiusto, e assai riduttivo, costringere il Barbanera nel ruolo scomodo di lapide commemorativa di uno dei più grandi geni della storia del cinema. Basta anche solo l’incipit del film, con il riassunto dell’epoca gloriosa e terribile della pirateria e quelle onde che si infrangono sugli scogli, per immergersi in un’alba livida e piena di brume ma che lascia già intravedere un sole lucente. Uno stile che ben si addice a Robert Stevenson, che prima di diventare regista tra i migliori dell’intera scuderia Disney (Un professore fra le nuvole, Mary Poppins, F.B.I. Operazione gatto, Un maggiolino tutto matto, Pomi d’ottone e manici di scopa) aveva diretto il livido noir politico anticomunista Lo schiavo della violenza, il poliziesco Disonorata e soprattutto l’algida versione di Jane Eyre racchiusa ne La porta proibita, con Orson Welles e Joan Fontaine. Il fantasma del pirata Barbanera è, infatti, un gran film di regia, che gioca tutte le sue carte sul mélange piuttosto ardito – e spesso troppo poco considerato – che unisce il fantastico alla commedia, il film sportivo al gangster-movie (con tanto di scazzottate alla Bud Spencer) e persino parti in costume seicentesco. Solo un vero maestro sarebbe riuscito a gestire un simile pastiche!
Stevenson sembra guardare ad un cinema (ed un mondo) oramai evanescente, evaporato dagli schemi produttivi hollywoodiani: affida ad uno straordinario Peter Ustinov uno dei più riusciti ruoli della sua vita e dedica un tenerissimo omaggio a tre eroine dello spettacolo statunitense del tempo che fu mettendo, tra le “figlie dei bucanieri” a rischio sfratto, Elsie Baker, Betty Bronson e soprattutto Elsa Lanchester, colei che fu la moglie di Frankenstein. Vederla, nel fianle, così altera eppur pronta alla commozione, vale da solo la visione del film.
Il fantasma del pirata Barbanera è un'avventura tra mystery e noir che spiazza, diverte e, perché no, avvince alla sedia ma è soprattutto un film che, a cavallo tra due ere, mira ad educare una generazione che si ribella, cercando di salvare i valori migliori, e forse dimenticati, dei loro padri: una visione tipicamente disneyana degli anni '60. ^__^
Da (ri)vedere! :D

Quintet

Titolo originale: Quintet
Nazione: USA
Anno: 1978
Genere: Fantascienza, Drammatico
Durata: 119'
Regia: Robert Altman
Cast: Paul Newman, Fernando Rey, Vittorio Gassman, Bibi Andersson, Brigitte Fossey

Trama:
La terra si trova nel mezzo di una nuova glaciazione e l'umanità è allo stremo. Tra coloro che hanno ancora energie a disposizione va molto di moda un gioco chiamato Quintet che ha, come posta in palio, la vita dei perdenti. Essex è un cacciatore che accetta di giocare per capire quale sia il senso di quest'esperienza e...

Commenti e recensione:
Quintet è un film profetico; non tanto per quanto riguarda il suo compimento reale nel futuro quanto per il gioco di metaforizzazioni che richiamano, o meglio ancora, identificano!, realtà ben configurabili nel presente sociale e istituzionale di ogni giorno.
L'ambientazione è molto sinistra ma suggestiva (gli animali sono rari, la popolazione risulta sterile e crede di appartenere all'ultima generazione, quella che non avrà più un seguito di vita) e l'aspetto estetico e di costume della città-rifugio e della sua popolazione si avvale di riuscite raffigurazioni cinquecentesche e moderniste che conferiscono al film effetti di forte impatto emozionale, tanto da risultare un "altrove" in cui lo spettatore si inserisce facilmente. Per attivare ulteriormente quest'immedesimazione, il regista ha spalmato abbondantemente i bordi delle lenti di spessi strati di vasellina, così le riprese sono tutte volutamente sfumate ed oniriche, perché: "nel sogno le assurdità diventano accettabili e la mente non solo non le rifiuta a priori ma è anche disposta ad analizzarle". Quanta maestria in un uomo che non ha mai ammesso di essere surrealista!
E poi c'è Il Gioco: quel Quintet, lontano parente de Il gioco delle perle di vetro di Hermann Hesse, che sembra essere l'unica ragione di vita... perlomeno per la casta che detiene il potere sulla città! Ecco i circenses di una struttura coatta di relazioni sociali; una vera e propria passione che consente una vita che altrimenti si degraderebbe gerarchicamente, andando incontro al caos sociale. È ciò che alla borghesia dominante occorre per mantenere il potere, al di là delle già garantite soddisfazioni dei bisogni primari, il panem che non procura più piacere ma solo inedie e vuoti psichici mortali.
Altman è un regista che non ama divertire a tutti i costi né lavorare con l'ovvietà della morale sulle coscienze. No, lui evidenzia quelle oggettività di comportamento, spesso create da pulsioni di provenienza inconscia e dalle sembianze misteriose e che sono irrefrenabili. Giocando con le nostre percezioni -tanto è solo fantascienza-, Altman le rende visibili, ne da la giusta forma, ne evidenzia la forza subdola, insinuante, che si impossessa delle coscienze e della "normalissima" quotidianità. Altro che "futuro", quello che ci mostra è il presente che vorremmo tanto credere distopico. :O
Per tutti questi motivi, e malgrado il suo cast stellare, Quintet è un film per soli "palati fini" perché Altman è, qui, al suo massimo di intellettualità (che poi è la ragione del suo totale disastro commerciale!). Chi è capace di apprezzarlo, chi non ha paura di lascarsi trascinare nel cerebralismo filosofico del regista, vedrà l'eccezionale oggettività che può raggiungere il Grande Cinema, quello che mostra, senza falsi pudori, i demoni del desiderio perverso e criminoso più profondi e la cui presenza, per timidità e furbizia esistenziale, in ogni tempo e luogo non si è mai osato del tutto confessare. A mio, modestissimo, avviso: da vedere assolutamente! :D

Lupin III di Miyazaki

Titolo originale: Lupin the 3Rd (ルパン三世 Rupan Sansei)
Nazione: JAP
Anno: 1971 - 1980
Genere: Animazione, Poliziesco, Giallo, Avventura
Durata: 16x24'
Regia: Hayao Miyazaki

Trama:
Ricercato da tutte le polizie del mondo, soprattutto dall’ispettore Zenigata dell’Interpol, Arsenio Lupin III è il nipote dell'omonimo ladro gentiluomo francese. Degno erede del nonno, Lupin ha due validissimi soci: Daisuke Jigen, infallibile con la sua amata Smith & Wesson 19 ed il fedele, riflessivo e leale samurai Goemon Ishikawa XIII. Ai tre si unisce spesso la bella ed astuta Fujiko Mine, non sempre affidabile e pronta a farsi gioco di un Lupin evidentemente innamorato di lei e...

Commenti e recensione:
Pochi personaggi dell'animazione giapponese possono vantare una longevità nei cuori del pubblico come Lupin III, che da più di quarant'anni (in Italia è comunque giunto nel 1981) diverte e appassiona padri e figli. Alla base del mito c'è la versione a fumetti, creata nel 1967 da Monkey Punch e caratterizzata da quella "scorrettezza politica" che quasi contemporaneamente investiva anche l'Italia con il fenomeno dei fumetti "neri" alla Diabolik. L’idea iniziale, nel 1971, era quella di adattare il manga di Lupin in un film animato ma il primo risultato fu considerato inadatto ad un’uscita nelle sale a causa delle troppe scene di violenza e sesso. Si optò dunque per un anime a episodi, affidato inizialmente a Masaaki Ōsumi, tutt'oggi considerato il padre del "Dark Lupin". Bastarono due soli episodi, però, perché i produttori si lamentassero ancora dei toni troppo noir e lo rimpiazzarono con l'accoppiata Hayao Miyazaki e Isao Takahata. Che colpo!
Il "trattamento Miyazaki" fu evidente e contribuì a costruire il personaggio di Lupin come molti di noi lo conoscono oggi: non solo furono arrotondati tutti gli spigoli del character design ma furono anche tolti gli aspetti troppo violenti. Lupin stesso divenne un personaggio più sbruffone e bonario, il mastino Zenigata venne riletto in chiave umoristica e pasticciona e l’anime in generale divenne più adatto alle famiglie nelle storie e nel linguaggio. Miyazaki, da buon marxista, impose un taglio più proletario affidando al protagonista una Fiat 500 (la stessa che guidava lui) e fece di Lupin un eroe maggiormente positivo, vagamente simile ad un Robin Hood giapponese, gentiluomo e romantico (e sfortunato) con le donne. Il carattere unico della prima serie, oscillante fra toni molto cupi ed il dinamismo tipico dello stile di Miyazaki, con personaggi agililissimi ed un ritmo incalzante, la rende ancora oggi la più amata dai fans. Peccato che fu un fiasco commerciale!
Sì, perché il grande successo venne solo molto dopo, con le repliche. Ci vollero ben sei anni perché si pensasse ad una seconda serie ma ormai il terreno era pronto perché fu di ben 155 episodi (contro i 23 della prima). Ormai il carattere dei personaggi era perfettamente definito, ben lontano da quello di Monkey Punch e dichiaratamente miyazakiano; da allora, i registi che si cimentarono nell'opera seguirono diligentemente la nuova rotta tracciata.
Nel '79 il Maestro venne richiamato per diriggere il suo primo lungometraggio, Lupin III - Il castello di Cagliostro, che lo consacra definitivamente (tra le altre cose) come "Padre di Lupin" e, quasi ad ossequio, gli vengono commissionati due episodi della nuova serie, il 145 e l'ultimo, il 155. Qui crea quelle che sono comunemente riconosciute come le puntate più belle della storia del Ladro Gentiluomo: Albatros, le ali della morte e I ladri amano la pace.
La parte più difficile, per un cultore di Miyazaki, è vedere questi episodi senza lasciarsi distrarre da tutti i riferimenti ai futuri film del Maestro: gli aerei, i loro duelli, le città, i robot e tutto quel mondo che, evidentemente, era già vivissimo nella sua mente ma che i suoi contemporanei non avevano ancora mai visto.
Questi episodi di Lupin, tutti con doppio audio e sottotitoli (non tutti in italiano perché, purtroppo, non esistono) vanno quasi a completare la mia filmografia di Miyazaki... ovviamente in attesa dell'uscita dell'ultimo lavoro promesso dal Maestro per i prossimi anni. Speriamo che questo 2019 lo aiuti a completarlo! :D

Auguro a tutti un

FELICISSIMO ANNO NUOVO!!!

Anche questo è passato, che il 2019 sia migliore per tutti. ^__^

 

Il giardino segreto

Titolo originale: The Secret Garden
Nazione: UK-USA
Anno: 1993
Genere: Drammatico
Durata: 102'
Regia: Agnieszka Holland
Cast: Kate Maberly, Maggie Smith, Heydon Prowse, Andrew Knott, John Lynch, Irène Jacob

Trama:
Dopo la morte dei genitori in India, Mary viene ospitata nel maniero di uno zio, una sinistra villa gotica nella brughiera inglese spazzata da vento, che custodisce oscuri segreti ma anche uno splendido giardino dove possono fiorire amore ed amicizia ed in cui fugare le sofferenze del corpo e della mente. Diventerà il rifugio e la culla di una preziosa amicizia tra tre ragazzini solitari e...

Commenti e recensione:
Questo ennesimo adattamento dell'omonimo romanzo di Frances Hodgson Burnett (il più famoso aveva come protagonista Shirley Temple) è di gran lunga il migliore ed è una delle gemme nascoste del cinema moderno: nascosto perché è passato quasi del tutto inosservato al di fuori dalla Gran Bretagna, gemma perché è un film sentito, ben realizzato e splendidamente interpretato.
A cavallo tra l'otto e il novecento, la Hodgson Burnett scrisse molteplici romanzi, probabilmente autobiografici e quasi tutti uguali: storie di bambini o bambine rimasti soli e costretti a fronteggiare la vita (Madeline, La piccola principessa, Il piccolo lord e così via) tutti diventati piccoli culti della letteratura per l’infanzia, di generazione in generazione. In questo Il giardino segreto le cose non cambiano, anche se i risvolti drammatici sono più carichi che altrove. Inutile insistere: se siete stati così sfortunati da non leggerlo da bambini, potete redimervi con la copia che troverete nella cartella. ;)
La Holland interpreta la storia con maestria narrativa, passione e professionalità, dandole un taglio molto forte in alcuni passaggi (ma senza essere banale o inutilmente lacrimevole) e stupendo e commuovendo in altri. Riesce così ad intrattenere ed emozionare anche un pubblico più adulto di quello a cui era rivolto inizialmente il libro. Ne nasce una favola dalle atmosfere quasi gotiche nella prima parte (non pochi i debiti verso classici come Jane Eyre di Charlotte Brontë e Il giro di vite di Henry James) per poi rifiorire ed aprirsi alla luce, come il giardino del titolo, via via che l'opera salvifica della sua protagonista avanza. Il grigio del cielo, il verde spento della brughiera, le decorazioni decadenti e deprimenti del maniero contrastano infatti a meraviglia con i fiori colorati, l’erba rigogliosa e gli uccelli cinguettanti del giardino rimesso a nuovo. Due realtà distinte a confronto che vengono inevitabilmente a collidere in un finale scontato ma davvero ben eseguito. Se vogliamo, tutto il film sa di già visto ed è ripetitivo (la bambina "triste e solitaria che non piange mai finisce per cambiare e "portare il sorriso" sulla bocca di tutti" ricorda immediatamente Pollyanna!) ma è il modo in cui la storia viene raccontata dalla Holland a distinguerlo dalla massa.
Un film del genere avrebbe funzionato anche con interpreti scadenti ma questi sono di livello: la piccola Kate Maberly, in seguito attrice sfortunata ma nuotatrice olimpionica, è stata selezionata su oltre mille aspiranti e splende per talento e naturalezza. L’accompagnano altri lodevoli giovani attori e due performance straordinarie di John Lynch e soprattutto di Maggie Smith in quello che è, secondo me, uno dei ruoli migliori della sua carriera: perfetto per i lineamenti spigolosi eppure fascinosamente espressivi del suo volto segnato. Una colonna sonora tra le più belle degli anni novanta, composta dal maestro polacco Zbigniew Preisner (quello dei Tre colori di Kieszlowski, per intenderci) e la splendida fotografia di Roger Deakins condiscono questo piccolo gioiello del cinema britannico (ma cooprodotto da Francis Ford Coppola!) assolutamente da vedere ed apprezzare per la sua disarmante semplicità! :D

BUON NATALE A TUTTI!!! :D

e un grosso abbraccio dal vostro 

ranmafan

Cool Runnings - Quattro sottozero

Titolo originale: Cool Runnings
Nazione: USA
Anno: 1993
Genere: Avventura, Sportivo, Commedia
Durata: 97'
Regia: Jon Turteltaub
Cast: John Candy, Doug. E. Doug, Malik Yoba, Rawle D. Lewis, Raymond J. Barry, Leon Robinson

Trama:
Quattro atleti giamaicani sfidano la sorte presentandosi alle Olimpiadi di Calgary come bobbisti. Con risorse esigue e con nessuna esperienza, questi ragazzi dei tropici si assicurano la cooperazione di un ex campione americano, caduto in disgrazia, che cede alla tentazione di allenare un team di "semi-disperati" e...

Commenti e recensione:
Questo delizioso film, pur essendo un classico prodotto Disney, è basato su una storia vera.
Trent'anni fa, nel febbraio '88, alle Olimpiadi invernali di Calgary si presentò, per la prima volta nel bob, la nazionale Giamaica. Una cosa apparentemente impensabile per una terra che certo non offrirva spazi per allenarsi sulla neve. Un'avventura, senza dubbio, ma che non nasce dal caso: in quel paese l'atletica, che è quanto più richiesto da questa disciplina, non è certo uno scherzo!
La Disney ha saputo cogliere lo spirito di quest'avventura che, già di suo, sembra davvero il soggetto ideale di un film fantastico. C'è tutto quello che il Topo cerca(va) di trasmettere: i valori positivi del sogno americano, la fiducia in sè stessi, la lealtà, l'amicizia che deve prevalere sulla diffidenza, sono naturalmente dominanti. Belle e ben realizzate tutte le sequenze di bob, sport di estremo rischio e difficoltà e, soprattutto, riuscitissima l'interpretazione di John Candy, un attore dalla forte carica di simpatia e umanità.
Chissà Candy cosa pensa, di lassù, del suo ultimo personaggio. Per me è la summa delle tante figure che hanno arricchito le commedie americane di fine anni Ottanta, uomini all’apparenza un po’ cialtroni e un po’ meschini, forse solo sconfitti dalla vita ed ai quali non è stata ancora data una seconda possibilità per amare ed essere amati. E Cool Runnings, in fondo, parla proprio di questo: delle seconde possibilità della vita. Non succede spesso che il marchio Disney legato ad un film non pregiudichi l’autenticità dell’opera ma, questa volta, è straordinariamente coerente. Jon Turteltaub ha realizzati un prodotto esemplare, rivolto ai ragazzi ed ai più piccoli, che però sa dosare comicità e risate, dramma e commozione. È un film che si guarda con piacere, perfetto per la famiglia, leggero e divertente, ma anche toccante nel finale, soprattutto per chi crede che, nello sport come nella vita, valga la pena non arrendersi mai. Offre, indistintamente ad adulti e bambini, una lezione coinvolgente e per nulla pedante sugli ideali dello sport, pur sfiorando temi sociali come l’intolleranza, il razzismo ed il pregiudizio.
Non bisogna farsi trarre in inganno dall'età della pellicola perché questo è uno di quei casi in cui il cinema sa cristallizzare le emozioni di un momento per lasciarli in dono alle generazioni future. Altro che film per ragazzi: poche storie, nel suo piccolo questo è un grande momento di cinema! :D

Le ricette della signora Toku

Titolo originale: An (あん lett. "Pasta di fagioli dolce")
Nazione: JAP
Anno: 2015
Genere: Drammatico
Durata: 113'
Regia: Naomi Kawase
Cast: Kirin Kiki, Masatoshi Nagase, Kyara Uchida, Miyoko Asada, Etsuko Ichihara

Trama:
Sentaro gestisce una piccola panetteria in cui serve dorayaki, dei dolci ripieni di "an", una pasta dolce di fagioli rossi. Quando la vecchia signora Toku si offre di dare un aiuto in cucina, lui accetta a malincuore ma lei dimostra di avere la magia nelle mani quando si tratta di fare gli "an". Grazie alla sua ricetta segreta, il piccolo negozio fiorisce presto e...

Commenti e recensione:
Naomi Kawase, ben assistita dal direttore della fotografia Shigeki Akiyama, dimostra ancora una volta la sua grande maestria e sensibilità nello scrutare i volti dei suoi interpreti attraverso lo scorrere delle stagioni. Anche se gli spettatori saranno probabilmente più conquistati dalle lunghe sequenze di preparazione dei prelibati manicaretti, per la regista la ricerca del bello consiste anche nel riprendere alberi in fiore o scorci di periferia al tramonto. Un cinema dell'essenzialità che si basa su suggestioni, sia visive che sonore, probabilmente godibile addirittura anche senza i dialoghi! I "puristi niponici" e gli appassionati del suo particolarissimo cinema sono rimasti spiazzati (siamo ben lontani da The Mourning Forest!) ma la semplicità, quasi zen, dello sviluppo dalle linee più che convenzionali della trama rende questo gioiellino, dalla colonna sonora curatissima, un film godibile da quasi tutto il resto del mondo.
Perché la Kawase è intrisa di cultura cinematografica giapponese, e si vede bene da come guarda agli insegnamenti di Ozu, e ha sì realizzato una commovente riflessione sulla vecchiaia e l’avvicinamento alla morte, come hanno fatto i suoi maestri, ma ci aggiunge un gusto ed una dolcezza tali da rendere originale una storia che pure è antica come il mondo. E anche se il soggetto dovrebbe riguardare, in buona parte, un tema ostico quanto "il progresso civile e sociale ed il suo rapporto direttamente proporzionale al regresso umano", la Kawase preferisce sottolineare piuttosto la vicinanza spirituale tra noi ed i suoi personaggi, ampliando il messaggio fino a renderlo empatia: prima con le materie prime, quelle necessarie alla preparazione della pasta di fagioli rossi che dà il titolo al film, e poi con la natura stessa. Grazie a questo ammirevole trucco, Le ricette della signora Toku (presentato nella categoria Un certain regard del festival di Cannes) gioca con la nostra compassione e la nostra concezione di “esistenza” senza avere la presunzione di dare risposte di alcun genere, soltanto ricordandoci che non siamo soli e che, se lo fossimo, sarebbe tutto molto più difficile. Per farcelo capire, più che alla razionalità la Kawase, per bocca della signora Toku, parla al cuore con una semplicità disarmante che non può non conquistare e lascia lo spettatore con un sorriso sulle labbra e l'animo un po’ più leggero. E questo, anche per i non avvezzi al cinema del Sol Levante, di certo non fa rimpiangere la visione. :D

Full Monty - Squattrinati organizzati

Titolo originale: The Full Monty
Nazione: UK
Anno: 1997
Genere: Commedia
Durata: 91'
Regia: Peter Cattaneo
Cast: Robert Carlyle, Tom Wilkinson, Mark Addy, Steve Huison, Paul Barber, Hugo Speer

Trama:
A Sheffield, maggior centro siderurgico britannico, sono finiti i bei tempi degli anni '60. Acciaierie e fabbriche hanno chiuso i battenti, il lavoro si è automatizzato e molti operai sono stati licenziati. Tra questi c'è Gaz, separato dalla moglie alla quale è stato affidato anche il figlio adolescente che però, nonostante tutto, è disposto a dare ancora fiducia al padre. Intorno a Gaz si muove un gruppo di amici, tutti disoccupati ed in cerca di una soluzione e...

Commenti e recensione:
Gli inglesi, proprio perché con una popolazione di ceto mediobasso più abbondante degli altri paesi occidentali, capirono, prima di chiunque altro, il vero significato di quel cancro che il thatcherismo e la reaganomics stavano spandendo nelle loro vite. È quello stesso male che porta, proprio in questi giorni e con un ritardo di quasi trent'anni, migliaia di persone in gilet gialli nelle strade di Francia ed è alla base del tentativo di rivoluzione (tardiva!) a cui stiamo assistendo un po' ovunque. Gli anni '90 furono, soprattutto per le zone subrurali e minerarie, sinonimo della grande crisi economica inglese, con la chiusura forzata delle industrie legate all'estrazione e lavorazione del carbone e con la terribile disoccupazione che seguì.
Molto prima di arrivare ai referenda degli ultimi anni, con spirito assolutamente british e, ammettiamolo, senza peli sulla lingua, tutta una generazione di registi inglesi indicò con estrema precisione quel periodo come "la grande svolta sbagliata del nostro secolo" e crearono gioielli del calibro di Billy Elliot, Grazie signora Thatcher e questo splendido Full Monty. In altri tempi, ed altri luoghi, sarebbero state pellicole neorealiste ma, grazie alla loro capacità di "travestirsi" da commedia, sono tutti titoli che hanno resistito al passare dei decenni senza perdere nulla del loro valore, della loro attualità e, per fortuna, della loro godibilità. Provate a rivedere oggi Ladri di biciclette e capirete subito cosa significa "invecchiare male"; Daldry, Herman e Cattaneo non realizzarono film per piangersi addosso e scansarono quel pericolo!
Dei vari, Full Monty è sicuramente una delle commedie più divertenti e divenne immediatamente un piccolo cult ed un campione di incassi, anche in Italia. È l'ennesimo esempio di come l'intelligenza possa supplire ai grandi budget ed il cinema inglese, figliastro della BBC, ha davvero insegnanto molto in questo senso.
Da un punto di vista tecnico, per Peter Cattaneo si trattava del primo lungometraggio ma ci mise tantissimo impegno e si vede. Gli attori, primo tra tutti un grandissimo Carlyle!, sono davvero molto professionali e la colonna sonora è così azzeccata da meritarsi l'Oscar. Avrebbe dovuto vincerne anche altri ma si scontrò con il Titanic che, storicamente, ha sempre portato molta sfortuna alla perfida Albione.
Full Mouty è globalmente divertentissimo ma sa lasciare spazio anche alle situazioni relativamente drammatiche, elegantemente descritte con tatto non comune e, in qualche evento, anche con poesia. Le note su cui riflettere, ben celate dal fulcro del soggetto, spaziano dalla malinconia alla omosessualità, dalla morte alla depressione, dalla voglia di riscatto alla monotonia senile ma Cattaneo ci fa capire che è possibile ricavare il lato luminoso degli eventi negativi, quello che può spingere il demotivato ad andare oltre. In questo film si ride, e tanto, ma si comprende anche che la vita, ad ogni modo, va avanti e fermarsi è solo un grave errore. "Quando il sistema ti mette in mutande, non ti resta che toglierti pure quelle per fare un po' di soldi"!
È certamente un film stravisto, anche se è un po' sparito dalla rete, ma merita sicuramente una nuova visione, soprattutto alla luce di quanto sta succedendo. :D

PS:
Attenzione: mettetevi a dieta ed imparate a ballare, magari è profetico! XD

Le avventure acquatiche di Steve Zissou

Titolo originale: The life aquatic with Steve Zissou
Nazione: USA
Anno: 2004
Genere: Commedia, Avventura
Durata: 118'
Regia: Wes Anderson
Cast: Bill Murray, Owen Wilson, Cate Blanchett, Anjelica Huston, Willem Dafoe, Jeff Goldblum

Trama:
Dopo la morte del suo collaboratore ed amico fraterno Esteban - divorato da un pescecane enorme e di razza sconosciuta - Steve Zissou, celebre oceanografo e documentarista ormai in declino, decide di giocare il tutto per tutto partendo alla ricerca di quello che ha battezzato "squalo giaguaro". Con lui parte l'intero "Team Zissou", un'accozzaglia di personaggi eccentrici ed eterogenei che, a bordo della Belafonte, vivranno le più incredibili avventure e...

Commenti e recensione:
Accolto sia dalla critica che dal pubblico nell'ormai classico (per i film di Anderson) "modo altalenante", Le avventure acqutiche di Steve Zissou è l'ennesima prova della magistrale abilità del regista, un genio capace di mescolare con perfetto equilibrio il tenero ed il comico, spruzzando il tutto con un lieve ed azzeccatissimo retrogusto di drammatico.
Anderson cesella il film con così tanti dettagli, citazioni, immagini e suoni da dare al lavoro un'atmosfera a tratti fiabesca e leggera, complici anche i colori che sembrano essere stesi a pastello tanto sono luminosi, chiari e spensierati. L'invenzione di un bestiario marino, di una fauna brillante dai nomi stravaganti (pesci fragolini, cavallucci marini iridati, delfini albini, meduse Vietcong) e la geniale collocazione comica nello spazio di corpi e volti (brillantemente evidenziati grazie alla difficilissima tecnica de "l'attore giusto al momento giusto"), oltre che un cast di tutto rispetto ed in piena forma, fanno di Zissou un autentico gioiellino.
E che dire delle splendide scelte musicali, affidate ancora una volta a Mark Mothersbaugh, cantante e tastierista negli anni ’70 dei Devo, che è da sempre collaboratore del regista? Si intrecciano – in maniera esilarante e nostalgica – i brani storici di David Bowie... ma adattati in portoghese ed interpretati dall’attore/cantante brasiliano Seu Jorge!
Il risultato di tanto lavoro è un magnifico ed anomalo tuffo in un cinema che, forse, credevamo non esistesse più. Realizzato sulle coste del litorale italiano e negli studi di Cinecittà, Zissou ha il notevole pregio, rimescolando i canoni del “film d’avventura” senza snaturarli gratuitamente, di saper fondere ironia e mestizia con gradevole naturalezza.
E siccome è impossibile non fare paragoni col Moby Dick di Melville, di cui altro non è che la versione post-moderna, pop-art (con tanto di Yellow Submarine ^_^), retrofuturistica e stralunata, questo film è da vedere assolutamente! :D

Questo post è invece dedicato al carissimo Tres che
ha riaperto il suo bellissimo

blog del mulo

 Tieni duro Tres, abbiamo tutti imparato da te e la rete, senza il tuo contributo, non sarebbe più la stessa.
IN BOCCA AL LUPO!
:D

Lezioni di piano

Titolo originale: The Piano
Nazione: Australia
Anno: 1993
Genere: Drammatico
Durata: 121'
Regia: Jane Campion
Cast: Holly Hunter, Anna Paquin, Geneviève Lemon, Harvey Keitel, Ian Mune, Kerry Walker

Trama:
Ada, muta dall'infanzia e vedova con una figlia, per convenienza familiare deve sposare uno sconosciuto per procura. Si trasferisce con lui in un'isola sperduta della Nuova Zelanda dove non le è concesso di suonare il piano, sua unica consolazione. Con l'aiuto di un uomo, all'apparenza rozzo ma in realtà molto sensibile, i sui desideri saranno esauditi e...

Commenti e recensione:
Lezioni di piano è al tempo stesso un'opera viscerale e delicata, profondamente umana, brutale eppure poetica. Lo è anche quando tocca le vette dell’erotismo, in quanto la vicenda tratta di passioni: quella che Ada nutre per la musica e quella che può nascere come un’alchimia tra un uomo ed una donna, a dispetto di doveri e differenze culturali.
La Campion ci ha regalato una grande lezione di alta e raffinata sapienza cinematografica, creando molte sequenze assolutamente memorabili – una per tutte, il pianoforte suonato in riva all’oceano – ed un'infinità di inquadrature che sono pura poesia.
L’impeccabile lavoro svolto da Jane Campion alla regia è suggellato in una pellicola acclamata e premiata sin dal Festival di Cannes con la Palma d’Oro (prima donna ad ottenerla) anche grazie all’interpretazione femminile della sua straordinaria protagonista, Holly Hunter. Più che con la gestualità, l’attrice è in grado di comunicare con i suoi occhi caldi e le espressioni del viso, mostrandosi perfettamente all’altezza del ruolo di pianista. Tra l'altro, è davvero lei a suonare in modo trascinante ed ipnotico le vibranti note del piano. La sua interpretazione conquista tutti, aggiudicandosi diversi riconoscimenti tra cui l’Oscar come migliore attrice protagonista.
Premio storico anche per Anna Paquin, che vince l’Oscar di migliore attrice non protagonista ad appena dieci anni. La piccola si cala perfettamente nei panni di una bambina contraddittoria, benevola ma pronta a mostrarsi vendicativa quando i suoi desideri non vengono assecondati. E se Sam Neill ci offe un esatto ritratto del marito geloso ed insensibile, memorabile è l’interpretazione di Harvey Keitel, che siamo abituati a vedere nei panni di uomini duri e brutali ma che in Lezioni di Piano si misura con un ruolo inedito ed oltremodo passionale, regalandoci un misto di ardore e fragilità ammalianti.
Spesso si ha l’impressione che il film sia la trasposizione visiva di un classico ottocentesco della letteratura inglese, mentre è tutto frutto della penna e della toccante genialità della regista stessa. Una genialità che non poteva deludere nel finale, vero colpo di scena, sorprendente quanto spiazzante (non per mera spettacolarità alla quale è superiore) ma per la finezza di pensiero che ha permesso alla Campion di concepire una conclusione che è un vero e proprio inno alla vita.
Insomma, un grande capolavoro; forse non adatto ai bambini (ci sono state critiche in tal senso) ma da vedere e rivedere assolutamente! :D


Piccolo bonus per palati fini: nella cartella troverete anche la magnifica colonna sonora di Michael Nyman, compositore che io amo immensamente e che ha saputo dare ai più bei film di Greenaway quello spessore che (forse) mancava! :)

Dedico questo post al carissimo Sergius che
ha riaperto il suo bellissimo blog col nuovo nome

ilclubdei39

 Tantissimi auguri Sergius e
BUONA FORTUNA!
:D

27 baci perduti

Titolo originale: Summer or 27 Missing Kisses (Германия Франция Грузия)
Nazione: Georgia, GER
Anno: 2000
Genere: Commedia
Durata: 90'
Regia: Nana Dzhordzhadze
Cast: Nino Kukhanidze, Shalva Iashvili, Yevgeni Sidikhin, Pierre Richard, Amaliya Mordvinova

Trama:
La quattordicenne Sybilla arriva nell'assonnata piccola città di Krasnyie Utki (che significa "Belle anatre") per passarvi le vacanze con la zia Martha. Il primo giorno si innamora in modo travolgente del quarantunenne astronomo che lavora nell'osservatorio locale e il quattordicenne figlio di questo s'infatua di lei. È come se Sybilla avesse elettrizzato la città e...

Commenti e recensione:
Ecco un gradevole Amarcord d'"oltre cortina", una favola gioiosa ed assurda che gioca in modo piacevolmente originale sull'argomento frivolo ma universale della sessualità, esorcizzandone il demone con l'allegria contagiosa dei ricordi adolescenziali. Se sanno realizzare gioiellini così, è un vero peccato che siano così poche le pellicole che ci giungono da quella fetta d'Europa.
Ovviamente non stiamo parlando di un capolavoro con la c maiuscola ma la regia della Dzhordzhadze è spigliata, gli attori molto a loro agio nei rispettivi ruoli e la giovane protagonista è un concentrato di sensualità e tenerezza.
Anche sotto il punto di vista tecnico la pellicola è ineccepibile, anzi possiede qualche cosa in più rispetto alla media dei film di questo tipo di produzione: quel qualcosa sono certamente la bella fotografia e, soprattutto, le magnifiche musiche di Goran Bregovich. In pratica, una commedia molto femminile davvero ben diretta e recitata; forse talvolta confusa (magari perché non conosciamo il frasario culturale) ma veramente poetica, godibile da vedersi e che lascia un retrogusto dolcissimo.
Da scoprire! :D

Taron e la pentola magica

Titolo originale: The Black Cauldron
Nazione: USA
Anno: 1985
Genere: Animazione, Fantasy
Durata: 80'
Regia: Richard Rich, Ted Berman

Trama:
Il giovane guardiano di porci Taron deve custodire, per conto del vecchio saggio Dalven, la maialina Ewy. Ewy è un animale molto speciale perché, grazie alle sue doti, è in grado di individuare la Pentola Magica, un antico manufatto che può dotare chi lo possiede di un enorme potere. Il crudele re Cornelius farà di tutto per rapire Ewy, trovare la pentola e...

Commenti e recensione:
Com'è difficile scrivere la recensione di un film immensamente amato e, ammettiamolo, temuto per anni.
I 115mila fotogrammi che compongono questo gioiello hanno subito ognuno 33 passaggi successivi al disegno originario e sono il frutto di quasi quindici anni di faticoso (e costosissimo!) lavoro. Ad un investimento enorme non corrispose, però, un egual guadagno e Taron e la Pentola Magica fu un fiasco colossale. Sull'azienda aleggiò cupissima la nube della bancarotta e mai la Diseny conobbe un momento così buio se non con Fantasia nel 1940 e con La Bella Addormentata nel bosco nel 1959. Anzi, il crollo delle azioni in borsa favorì gli speculatori ed il sogno di Walt parve essere giunto al capolinea. Se al flop di Fantasia e de La Bella Addormentata hanno però fatto seguito una rivalutazione totale ed un enorme successo nel tempo, Taron resta ancora sconosciuto ai più ed è, tutt'oggi, lo scheletro nell'armadio del Topo. Pensateci: Eilonwy è l'unica "principessa" che non compare nelle adunate Disney e, a più di trent'anni di distanza, non è ancora riabilitata. Non è presente nemmeno nell'ultimo team-up in Ralph spacca Internet (e sì che le altre ci sono davvero tutte!).
È facile dire che fantasy ed animazione, perlomeno in occidente, siano sempre un'accoppiata perdente (il povero Bakshi dovette addirittura lasciare a metà il suo capolavoro ç_ç) ma il vero problema è che Taron spaventava i bambini, cioè faceva fuggire dalle sale il pubblico al quale la Disney era più strettamente legato. Con questa premessa non avrebbe potuto fare un po' di cassa nemmeno con l'home-video o il merchandising! In realtà non si trattò di un errore: era il frutto di una lunga sperimentazione, anche di marketing, che la nuova generazione di artisti stava cercando di sviluppare (ricordate The Black Hole?). Se gestita in maniera corretta, forse oggi avremmo una Disney molto diversa ma l'esperimento venne violentemente stroncato con l'arrivo di Jeffrey Katzenberg che, dopo l'ammutinamento di Don Bluth (la cui impronta è comunque ancora fortissima in questo film) e di tutto il suo team, decise che il target Disney doveva restare tassativamente quello infantile.
Taron però era già praticamente finito e, malgrado le potenti sforbiciate fatte dallo stesso Katzenberg (quasi un quarto d'ora di scene cruente come quella dell'uomo liquefatto), durante la proiezione test i suoi bambini di riferimento rimasero (giustamente!) traumatizzati. Il risultato è che questo è il primo film Disney con un rating di censura PG (Parental Guidance suggested), proprio quello che non ci vuole in un film per bambini! XD
Il mondo non funziona con i "e se" ma non posso non pensare a cosa sarebbe successo se avessero osato andare fino in fondo ed avessero mirato correttamente il target tra i 13 ed i 17 anni, quello degli innumerevoli appassionati di Dungeons and Dragons. Perché Taron e la pentola magica non voleva essere un folle suicidio commerciale, anzi, ce la mette tutta per piacere. È stato il primo film d’animazione a utilizzare la Cgi (ed infatti i primitivi effetti di computer grafica presenti nel lungometraggio sono ancora oggi affascinanti) ed ha provato a creare un nuovo immaginario adolescenziale così valido che non stupisce che tra gli art director ci sia un giovanissimo Tim Burton che, su quel tipo di atmosfere, ci ha costruito un’intera carriera. Proprio perché NON è destinato ai bambini, questi rivoluzionari creativi osarono un'altra innovazione inconcepibile per un cartone Disney: la totale assenza di canzoni! Scelsero invece la meravigliosa colonna sonora di Elmer Bernstein (I magnifici sette, Ghostbusters ed una marea di altri successi) che, da sola, vale tutto il film! I tagli di Katzenberg forse rendono Taron narrativamente imperfetto ma quei fondali pazzeschi, quei draghi e quel castello sono, anche dopo così tanti anni, ancora assolutamente strepitosi. Tutti i soldi spesi, dove si vedono, si vedono eccome.
Pur con tutti i suoi difetti (un porcello come animale sacro??? Una pentolaccia invece di un'invincibile spada???), Taron resta comunque una pietra miliare dell'animazione, un cult da vedere con occhi assolutamente NON infantili ed una gioia per tutti coloro che sono cresciuti leggendo i libri dell'Editrice Nord e sperando in un bel Fantasy capace di far rivivere quelle emozioni. Per la mancanza di intraprendenza della Diseny abbiamo dovuto aspettare i Maestri giapponesi per sognare qualcosa di simile ma Taron ce l'aveva quasi fatta ed è da apprezzare anche solo per questo. Da rivedere e rivalutare sicuramente! :D

Il serpente e l'arcobaleno

Titolo originale: The Serpent and the Rainbow
Nazione: USA
Anno: 1988
Genere: Horror, Fantastico
Durata: 98'
Regia: Wes Craven
Cast: Bill Pullman, Paul Winfield, Cathy Tyson, Zakes Mokae

Trama:
Un antropologo di Harvard va ad Haiti per studiare il fenomeno degli zombi con la psichiatra Marielle Celine che, pur legata alle superstizioni ed i riti del voodoo della sua gente, è disposta ad aiutarlo. Inevitabilmente s'imbatte nel Gran Sacerdote del culto che è anche il capo della polizia locale, i famigerati Ton-Ton Macoutes del dittatore Duvalier e...

Commenti e recensione:
Proprio perché ispirato all’omonimo libro di Wade Davis, che racconta la storia di uno dei casi più famosi mai documentati di presunta trasformazione in zombie, Il Serpente e l’Arcobaleno di Wes Craven, che pure è stato un maestro del genere, non è un horror. Sì, alcune scene erano, almeno per l'epoca, un po' forti ma la vera funzione di questo film è nella sua chiave di lettura antropologica e politica. Craven sembra capire quanto proprio quest'ultima, nelle sue vesti più cupe e dittatoriali, sia molto più terrorizzante di un povero non-morto!
Nonostante la scarsezza di mezzi a disposizione, con pochissimo Craven ha saputo creare un mondo da incubo, allucinato e terrorizzante; una vera discesa agli inferi accompagnata da una scenografia, una fotografia ed un trucco che sbalordiscono. Il tutto raccontato con la lucidità dell'indagine scentifica, ben giustificata nell'incipit del film. La lunga ombra di quest'opera si sente ancora nelle pagine ispirate di Eco nel suo Pendolo di Foucault (benché lì si parli piuttosto di candomblé brasiliani), in un'intera generazione di antropologi e, ammettiamolo, in non pochi fumetti bonelliani.
Il Serpente e l’Arcobaleno riesce ad essere anche un affezionato tributo alla prima fase del cinema “zombesco” di Bela Lugosi (una ventata d’aria fresca in quegli anni di infezioni di morti viventi e killer assetati di sangue) ed uno spaccato (pur non presentandosi come film storico) dell’Haiti degli anni ’80, dalla politica alla cultura etnica.
Nonostante Wes Craven sia conosciuto per opere ben più affermate, come Nightmare, La casa nera e Scream, con questa pellicola atipica il regista ha toccato il suo vertice producendo quello che per molti è il suo film migliore, il più valido, il più maturo, il più vero. In pratica, questo è un cult assolutamente da non perdere, non tanto per gli appassionati di horror quanto, piuttosto, per tutti coloro che non hanno paura di guardare dentro e oltre le ombre. :D

Funeral Party

Titolo originale: Death At a Funeral
Nazione: GB
Anno: 2007
Genere: Commedia
Durata: 90'
Regia: Frank Oz
Cast: Matthew MacFadyen, Rupert Graves, Peter Dinklage, Daisy Donovan, Alan Tudyk

Trama:
Una sconclusionata famiglia inglese si riunisce al funerale del patriarca nella grande casa natale. Le tensioni familiari crescono e vecchi conflitti mai sopiti tornano a galla ma la situazione esplode quando un uomo misterioso si presenta al funerale, ricatta i figli minacciando di rivelare l’oscuro segreto del defunto e...

Commenti e recensione:
Oz è (quasi) sempre un grande e qui, in questa commedia demenziale e sopra le righe, lo ritroviamo nella sua più bella forma, capace di rendere leggero un tema solitamente triste anche a costo di andare incontro a polemiche più o meno velate. Non manca qualche sottile, mai davvero velenoso, riferimento alla religione ma vi è soprattutto spazio per molte trovate, che siano intrighi, rivalità familiari o vecchi amori non corrisposti. Oz scompiglia le regole cerimoniali che normalmente vincolano i comportamenti ad un funerale, inserendo tutta una serie di elementi destabilizzanti che creano le situazioni comiche.
Avendo un cast famoso solo in patria (ovviamente siamo molto prima di GoT) e con un budget assolutamente limitato, Oz ha deciso di non focalizzarsi su di un unico protagonista optando invece per un'opera corale, nella quale far sfidare in una gara di bravura tutti gli interpreti in un susseguirsi di botta e risposta di gag senza fine. Oz non è avaro neanche di temi a lui più cari in passato, come ad esempio l'omosessualità che compare in maniera macabra ed alquanto insolita ma che procura alcune delle scene più divertenti del film. A tratti si abbandonano i lidi della dark comedy e si scade in una sorta di vera e propria farsa, il che permette di godersi nel migliore dei modi la surreale astrazione comica che fa più volte capolino. D'altronde non ci troviamo davanti né ad una classica commedia romantica di stile francese, né alle più volgari produzioni americane (niente in contrario, sia ben chiaro; a volte ci vogliono anche quelle ^__^). Pur essendo a tratti volutamente stupida, la pellicola non raggiunge però mai quei livelli e riesce sempre a proporre un'idiozia ragionata, di classe, che se a tratti può apparire stereotipata e già vista, soprattutto nei suoi eccessi verbali, altrove regala momenti di puro e schizzato divertimento. Qui si percorrono i passi della risata più genuina, non avendo nessuna ambizione di sorta se non quella di far ridere, con garbo e raffinatezza e senza eccedere nello snobismo di quelle produzioni che aspirano a tanto e che difficilmente centrano il bersaglio. Senza pretendere di essere un capolavoro quindi, Funeral Party è giustamente diventato un classico dell'humour inglese e della farsa più esasperata che coglie in pieno il suo semplice e diretto obiettivo: divertire! :D

Una giornata particolare

Titolo originale: Una giornata particolare
Nazione: ITA
Anno: 1977
Genere: Drammatico
Durata: 105'
Regia: Ettore Scola
Cast: Sophia Loren, Marcello Mastroianni, John Vernon, Françoise Berd

Trama:
È il giorno della visita di Hitler a Roma. Nella quiete di un caseggiato popolare le vite di Antonietta, moglie disfatta da sei maternità e dall'incrollabile fede fascista del marito, e Gabriele, ex annunciatore radiofonico cacciato dal servizio con l'accusa di essere un "sovversivo" ma, in realtà, perché omosessuale, si incrociano e...

Commenti e recensione:
Questo è probabilmente il più bel film di Scola e, in realtà, è anche la più bella interpretazione sia della Loren che di Mastroianni. Già questa, come recensione, dovrebbe bastare; tuttavia è giusto, a più di quarant'anni dall'uscita, rivedere questo capolavoro ed ammirarne l'incredibile attualità. Perché se è vero che la storia si svolge in un contesto storico molto preciso (al punto da indicarne persino la data!) il soggetto è assolutamente senza tempo: il fugace incontro tra due emarginati. Una giornata particolare è lo struggente racconto di due solitudini, separate per carattere, cultura ed estrazione sociale ma accomunate dallo stesso triste destino che li relega ai margini di una società, qui irregimentata, autoritaria e muscolare ma potrebbe anche esserne una edonista, capitalista e bigotta che la trama non ne risentirebbe. E Scola è sempre stato bravissimo a raccontare questi "incontri inattesi", causati dal fato.
C'è davvero molta arte in questo film e, pur di non rovinarla, il fantastico trio ha dovuto reinventarsi: Scola tiene a freno il suo proverbiale sarcasmo per realizzare un capolavoro amaro e malinconico che, al di là della lampante critica al fascismo ed ai suoi eventuali rigurgiti, punta severamente il dito contro qualsiasi forma di oppressione ed uniformazione, ricordandoci che è anche dai piccoli gesti e nei momenti più semplici che possiamo trovare la forza di reagire alla rassegnazione, alle umiliazioni ed all’emarginazione. Mette da parte se stesso, e perfino la sua tecnica, pur di concedere spazio ai due formidabili interpreti.
Sophia Loren accantona, per una volta, la sua prorompente sensualità ed il suo fascino senza tempo presentandosi struccata, spettinata e scarsamente curata per rendere al meglio il servilismo e la remissività del suo personaggio. Mastroianni, infine, abbandona a sua volta le movenze da latin lover per compiere un vero e proprio capolavoro di controllo e di recitazione, in perenne bilico fra rassegnazione e silenzioso dolore. Il doveroso plauso per la fotografia, volutamente sbiadita, di Pasqualino De Santis e per le musiche di Armando Trovajoli è solo la cigliegina sulla torta di quest'opera d'arte.
Da vedere? Senza dubbio. Da rivedere? Soprattutto in questa versione splendidamente restaurata, assolutamente sì!! :D